Tour de audio por los puntos destacados de Dallas: monumentos culturales e históricos

A su izquierda se encuentra una plaza de hormigón blanco, una sala sin techo con altas columnas, un bloque de granito oscuro en el centro y filas de medallones redondos que marcan las aberturas.

Este es el Monumento a John Fitzgerald Kennedy, inaugurado en mil novecientos setenta, y es una de las piezas de arquitectura pública más cuidadosamente argumentadas de Dallas. No porque explique demasiado... sino porque se niega a hacerlo. El arquitecto Philip Johnson, un importante diseñador estadounidense y amigo de la familia Kennedy, lo creó como un espacio conmemorativo en lugar de un monumento narrativo. Jacqueline Kennedy aprobó su diseño, y Johnson lo describió como un refugio tranquilo, separado de la ciudad, pero aún cerca del cielo y la tierra.

Esa idea cobra importancia al observarlo. Es un cenotafio, lo que significa una tumba vacía: un monumento sin cuerpo en su interior. Johnson utilizó la ausencia como material principal, casi tanto como el hormigón. La estructura tiene unos treinta pies de altura y forma una sala cuadrada de unos cincuenta pies por cada lado. Dos aberturas estrechas dan al norte y al sur. Las paredes están hechas de setenta y dos columnas de hormigón prefabricado blanco. La mayoría se detiene a unas veintinueve pulgadas del suelo, por lo que parecen flotar. Solo ocho, dos en cada esquina, llegan a tocar el suelo y sostienen toda la estructura. Un ingenioso truco arquitectónico... y un tanto inquietante.

Si lo desea, eche un vistazo a la imagen en la aplicación para obtener una perspectiva más amplia de ese cuadrado flotante sobre la plaza.

Ahora observe el cielo abierto sobre esas paredes.

Sin techo, este lugar no se siente cerrado. Se siente expuesto, inacabado a propósito. Incluso la decoración se mantiene disciplinada: filas de círculos de hormigón, perfectamente alineados en las esquinas y aberturas, suavizando un poco todos esos bordes cuadrados y duros.

El juez del condado de Dallas, Lew Sterrett, propuso por primera vez un monumento dos días después del asesinato, el veinticuatro de noviembre de mil novecientos sesenta y tres. Casi de inmediato, la ciudad comenzó a debatir internamente. Algunos líderes cívicos querían que cualquier monumento se colocara en Washington, como si la distancia pudiera ayudar a Dallas a librarse de la mancha de lo ocurrido aquí. Pero los ciudadanos locales recaudaron doscientos mil dólares en agosto de mil novecientos sesenta y cuatro, aproximadamente dos millones de dólares actuales, a través de cincuenta mil donaciones individuales. Esa cifra es importante. Independientemente de la incomodidad de Dallas, muchas personas comunes querían un acto público de recuerdo.

El miembro del comité, Stanley Marcus, voló a Nueva York y persuadió a Johnson para que lo diseñara sin costo alguno. Aun así, el proyecto avanzó lentamente. Una instalación de estacionamiento subterráneo retrasó la construcción y, cuando el monumento finalmente se inauguró, se dice que Sterrett no mencionó a Kennedy en su discurso de dedicación. Ese silencio dice mucho.

En el interior, las únicas palabras están en el bloque bajo de granito oscuro: John Fitzgerald Kennedy, en letras doradas. Los críticos han calificado el monumento de escueto, prohibido e incluso desconcertante. Francamente, algunas personas necesitaron que se agregara un panel más tarde para explicar lo que estaban viendo, lo cual nunca es una buena señal de claridad inmediata. Pero Johnson defendió el vacío. Creía que una sala vacía podía hacer lo que los discursos no podían.

Y ese es el punto de este lugar. No recrea el crimen. Le brinda a Dallas una cámara para la reflexión, mientras mantiene la herida real cerca. Dealey Plaza, donde ocurrió el asesinato, está a unos dos minutos a pie de aquí, y esa próxima parada nos lleva del espacio simbólico al lugar mismo del evento. Este monumento permanece abierto todo el día, todos los días, como si la contemplación tuviera sus propios horarios.

A su izquierda, Dealey Plaza se abre como una cuña formal de pérgolas de hormigón pálido, largas piscinas reflectantes y un amplio paso subterráneo de ferrocarril, con un monumento de granito rojo que marca la escena.

Este terreno comenzó como el primer punto de apoyo de Dallas. Sarah Horton Cockrell, una formidable mujer de negocios que controlaba enormes partes de los primeros bienes raíces de Dallas, ayudó a que este terreno estuviera disponible; la primera casa de la ciudad estuvo aquí, y también sirvió como el primer tribunal, oficina de correos, tienda y logia fraternal. Así que antes de que esto se convirtiera en un lugar de luto, fue donde Dallas intentó por primera vez ser Dallas.

En la década de 1930, los ingenieros nivelaron el terreno, cambiaron las calles y lo construyeron como una puerta de entrada occidental al centro, en parte para descongestionar el tráfico alrededor de las líneas ferroviarias. La Works Progress Administration, o W-P-A, terminó la plaza y el triple paso subterráneo en 1940. George Bannerman Dealey, el editor de periódicos y reformador cívico que impulsó la planificación urbana y las mejoras fluviales durante décadas, hizo que la plaza llevara su nombre mientras aún vivía... eficiente, si no exactamente modesto.

Dallas tiene la costumbre de preservar lugares cambiando el marco que los rodea. Aquí, una solución de tráfico se convirtió en un monumento cívico. Más tarde, cuando la historia se volvió insoportable, la ciudad preservó la escena reinterpretándola en lugar de borrarla.

Y entonces llegó el veintidós de noviembre de 1963. Desde la esquina sureste del sexto piso del antiguo Depósito de Libros Escolares de Texas, tanto la Comisión Warren como el Comité Selecto de la Cámara sobre Asesinatos concluyeron que Lee Harvey Oswald disparó el tiro que mató al presidente Kennedy. En Elm Street, una pequeña X blanca suele marcar el lugar aproximado. En la colina al noroeste, la colina cubierta de hierba (grassy knoll) entró en el vocabulario nacional en cuestión de minutos, gracias al reportero Albert Merriman Smith. Si observa la imagen del Depósito en su pantalla, su sencilla fachada de almacén es casi el punto: la historia no siempre se anuncia a sí misma con grandeza.

La colina cubierta de hierba (grassy knoll) es una de las características más famosas de Dealey Plaza, vinculada para siempre a los relatos de los testigos y a las teorías sobre el asesinato.

A su derecha, el Palacio de Justicia del Condado de Dallas parece que va muy en serio... y, para ser justos, normalmente lo ha hecho. Construido en mil ochocientos noventa y dos con piedra arenisca roja y detalles de mármol tallado, fue obra del arquitecto Max Orlopp Junior en el estilo neorrománico richardsoniano; es ese aspecto grande, pesado y parecido a una fortaleza, con arcos profundos y piedra gruesa que parece diseñada para sobrevivir tanto a la moda como a las malas decisiones. Dallas tenía motivos para pensar así: cuatro de sus cinco palacios de justicia anteriores se incendiaron. Si observa la imagen en su pantalla, el primer plano muestra esa piel dura de maravilla. Esto era la moralidad pública en piedra, y la vergüenza cívica en piedra también. Los palacios de justicia son donde una ciudad exhibe sus valores en público... y a veces revela cuán terriblemente los traiciona.

Desde aquí, dejamos atrás el poder formal y nos dirigimos al antiguo distrito de almacenes, donde la reinvención se vuelve un poco más extraña y tropical en el Acuario Mundial de Dallas, a unos diez minutos a pie. Si planea volver a entrar, el palacio de justicia generalmente está abierto los días de semana de ocho de la mañana a cuatro y media de la tarde.

La Galería de los Primeros Años conecta el edificio del palacio de justicia con la historia del Condado de Dallas, recordando su vida posterior como el Old Red Museum.

Desde aquí fuera, todavía parece el centro de la ciudad haciendo cosas de almacén. Lo cual es parte del truco. Esto comenzó como un almacén de mil novecientos veinticuatro, y en octubre de mil novecientos noventa y dos el interior fue vaciado y reconstruido como un acuario. En mil novecientos noventa y siete, el edificio de al lado recibió el mismo tratamiento para Orinoco, Secretos del Río, y el callejón entre ellos se convirtió en la línea entre las exhibiciones de agua dulce y agua salada. Eso es la reutilización adaptativa al estilo de Dallas: mantener el caparazón, reinventar el alma.

Si echa un vistazo a la imagen en la aplicación, puede ver cuán sencillo sigue siendo el exterior, incluso con todo lo que sucede dentro.

Incluso un lugar construido para el asombro puede acarrear nudos éticos, y esta ciudad rara vez elige entre la gran exhibición y el debate incómodo. Desde aquí, el Museo de Arte de Dallas está a unos doce minutos a pie. Si planea entrar primero, el acuario está abierto todos los días de ocho y media de la mañana a cuatro y media de la tarde.

Even a place built for amazement can carry ethical knots, and this city rarely chooses between the grand display and the uncomfortable debate. From here, the Dallas Museum of Art is about a twelve-minute walk away. If you plan to go inside first, the aquarium is open daily from eight-thirty A-M to four-thirty P-M.

A su derecha, el Museo de Arte de Dallas se presenta con una especie de calma cívica... amplio, moderno, seguro de sí mismo y muy consciente de que pertenece al centro de la ciudad. Nada mal para una institución que comenzó como un proyecto paralelo de una biblioteca.

La historia comienza en mil novecientos tres, cuando el artista de Texas Frank Reaugh miró la Biblioteca Pública de Dallas y vio paredes vacías que no hacían nada útil. May Dickson Exall, la primera presidenta de la biblioteca, convirtió esa idea en una misión. Quería exposiciones, conferencias, una colección permanente, apoyo a los artistas locales y respaldo público para las artes. Los primeros miembros de la Asociación de Arte de Dallas pagaban cinco dólares al año por acceder a exposiciones y charlas... aproximadamente ciento setenta dólares en dinero de hoy. Fue una iniciativa de base, un poco seria, y exactamente así es como a menudo comienzan las grandes instituciones cívicas: con un comité, una lista de miembros y la creencia obstinada de que la cultura debe contar.

Aquí es donde aparecen por primera vez los patrocinadores culturales de Dallas. No solo donantes adinerados con sus nombres en las paredes, sino organizadores, miembros, defensores y familias que siguieron construyendo la cultura museística de la ciudad una reunión, una donación, una campaña a la vez.

Las primeras cuatro obras de arte de la asociación ingresaron a la colección mientras todavía vivía dentro de la biblioteca. Luego, el crecimiento forzó una mudanza. En mil novecientos treinta y seis, después de que el museo hubiera tomado el nombre de Museo de Bellas Artes de Dallas, se trasladó a un edificio Art Déco en Fair Park para la Exposición del Centenario de Texas. Eso podría haber sido suficiente para muchas ciudades. Dallas, naturalmente, lo trató como un borrador.

El punto de inflexión llegó con Jerry Bywaters, un artista y profesor de la Universidad Metodista del Sur que tomó el control en mil novecientos cuarenta y tres y permaneció durante veintiún años. Compró obras impresionistas, abstractas y contemporáneas, pero también insistió en que los artistas de Texas pertenecían a la misma conversación. Y aquí está el detalle que evita que este lugar se convierta en una historia de éxito demasiado ordenada: en los años cincuenta, los críticos locales intentaron purgar el museo del llamado arte comunista, y Pablo Picasso fue prohibido. Así que sí, incluso un museo puede convertirse en un argumento cívico con mejor iluminación.

A finales de los años setenta, la colección y el programa de exposiciones habían superado Fair Park. Harry Parker lideró el traslado aquí, al Distrito de las Artes, y el arquitecto Edward Larrabee Barnes, trabajando con John M-Y Lee Associates, le dio a Dallas este edificio. Se abrió por etapas, con el personal llegando antes de la inauguración formal en enero de mil novecientos ochenta y cuatro. Ese detalle importa. El museo no apareció simplemente completamente formado. Se ensambló, pieza por pieza, de la forma en que lo hacen las ciudades.

En su interior hay más de veinticuatro mil objetos, que abarcan desde el tercer milenio a. C. hasta el presente. Si mira su pantalla, puede ver Los Icebergs de Frederic Edwin Church, una pintura que alguna vez se consideró una obra maestra perdida antes de llegar aquí. Y si revisa la imagen de la galería, puede hacerse una idea de la escala del museo como espacio de exposición, no solo como almacenamiento de tesoros.

A broad view of the Dallas Museum of Art building, useful for explaining its move to downtown and its large public footprint.

El Museo Crow cuenta una historia muy propia de Dallas... cómo la pasión privada se convierte en cultura pública, y cómo la filantropía y la influencia privada pueden dejar una huella en una ciudad con tanta seguridad como el acero y el hormigón. Este lugar comenzó no como un plan de museo dibujado en la mesa de un arquitecto, sino como una colección familiar reunida pieza por pieza, viaje tras viaje, hasta que la colección creció demasiado como para permanecer escondida en habitaciones privadas. En Dallas, los donantes a menudo hacen más que escribir cheques. Ayudan a decidir qué es lo que la ciudad recordará, admirará y transmitirá.

Trammell y Margaret Crow fueron coleccionistas pacientes, no compradores impulsivos con gustos muy caros. Su vida como coleccionistas comenzó a finales de los años sesenta y se definió en torno a una sola pieza de jade chino comprada en mil novecientos setenta y uno. Durante las siguientes tres décadas, realizaron más de veinte viajes a Asia, incorporando obras de China, Japón, India, Corea, Nepal, Vietnam, Camboya, Tailandia, Indonesia, Myanmar y Filipinas.

Margaret Crow le da a esta historia su toque humano. Recordó más tarde su viaje a China en mil novecientos setenta y seis, justo antes de que muriera el presidente Mao, cuando el acceso a los extranjeros aún estaba estrictamente controlado. Los Crow lograron entrar gracias a la participación del Dallas Market Center en la Feria de Cantón... lo cual es un detalle tan propio de Dallas que casi parece guionizado: conexiones comerciales que abren la puerta a un futuro museo de arte.

Antes de que existiera este museo, la colección vivía una vida dispersa en vestíbulos, áreas de recepción de oficinas, hoteles y hogares familiares, especialmente en el Trammell Crow Center. Si revisa la imagen en su pantalla, puede ver ese hogar anterior de la colección. Margaret Crow admitió que solo cuando las obras fueron reunidas, la familia comprendió realmente lo que tenía.

Desde aquí, nos dirigimos al Nasher Sculpture Center, donde el coleccionismo se derrama aún más audazmente hacia la arquitectura y la presencia urbana. Si desea volver a entrar más tarde, el museo está abierto de martes a domingo de once de la mañana a cinco de la tarde, y cierra los lunes.

From here, we head to the Nasher Sculpture Center, where collecting spills even more boldly into architecture and urban presence. If you want to come back inside later, the museum is open Tuesday through Sunday from eleven A-M to five P-M, and closed on Monday.

A su izquierda hay un edificio bajo de piedra pálida y vidrio con largas líneas rectangulares y un distintivo techo de marquesinas con tragaluces cribados. Este lugar tiene los modales de un museo y los instintos de una sala de estar muy refinada. El Nasher Sculpture Center abrió en dos mil tres para albergar la colección de Patsy y Raymond Nasher, quienes comenzaron a comprar esculturas en los años cincuenta. A Raymond Nasher le gustaba decir que elegían obras con las que querían vivir, no solo poseer, y que cada pieza tenía su propia historia. Esa idea es importante aquí. La colección es lo suficientemente seria como para incluir a Brancusi, Calder, Giacometti, Matisse, Picasso, Rodin, Henry Moore, Richard Serra y más... pero la sensación nunca fue diseñada para ser fría o enciclopédica. Raymond Nasher compró este sitio en el centro en mil novecientos noventa y siete, frente al Dallas Museum of Art, y eligió a Renzo Piano para dar forma a un museo digno de la colección y del vecindario que crecía a su alrededor. Piano es uno de esos arquitectos que trata la luz casi como un material de construcción. Aquí, diseñó un edificio de cincuenta y cinco mil pies cuadrados en dos punto cuatro acres, y trabajó con el arquitecto paisajista Peter Walker para que las galerías y el jardín se sintieran como una experiencia compuesta, no como una caja con un patio adjunto. Si mira la imagen en su pantalla, puede ver cómo el techo interior filtra la luz del día en lugar de inundar el arte con ella como una lámpara de interrogatorio. Ese control cuidadoso es todo el truco. La escultura cambia a medida que la rodeas, así que Piano creó un lugar donde la luz también cambia suavemente. Afuera, el jardín desciende hacia un auditorio, convirtiendo el paisaje en una especie de teatro al aire libre. En su teléfono, la vista del jardín muestra esa mezcla maravillosamente: arte, caminos, árboles e incluso asientos, todo funcionando en conjunto en lugar de competir por la atención.

Vista posterior del exterior del museo, que muestra el edificio de perfil bajo que se encuentra junto al Dallas Museum of Art en el Distrito de las Artes.

Desde aquí, las ambiciones de la ciudad siguen desplegándose en otra clave: culto aquí, espectáculo justo adelante. Camine unos tres minutos hasta el Morton H. Meyerson Symphony Center. Si planea regresar, la catedral generalmente está abierta todos los días, con horarios más largos la mayoría de los días de semana y los domingos.

La piedra angular de 1898, colocada al inicio de la construcción antes de que la iglesia fuera dedicada en 1902.

Para ser un edificio dedicado a la armonía, este lugar se hizo realidad tras una cantidad considerable de discusiones. Dallas comenzó a planificar una nueva sala sinfónica en mil novecientos sesenta y siete. Luego, el lugar fue objeto de retrasos, cambios y estuvo a punto de perderse en más de una ocasión. Un gran impulso llegó en mil novecientos ochenta y uno, cuando los líderes de la ciudad intentaron reunir el terreno, y el presidente de Borden, Eugene Sullivan, ayudó donando una parte. La memoria local convirtió ese trato en una pequeña leyenda: un intercambio de tierras, una propuesta apresurada durante el desayuno y, de alguna manera, un cartón de leche ayudando a salvar la situación. La gloria cívica a menudo llega con un lenguaje grandilocuente... y negociaciones de parque empresarial.

Entonces, el arquitecto I. M. Pei miró el plan y dijo, en efecto, buen intento, pero necesito aproximadamente el doble de terreno. Eso desencadenó nuevos intercambios, una batalla legal por la antigua propiedad de Borden e incluso una segunda ceremonia de colocación de la primera piedra antes de que la construcción pudiera avanzar realmente. Los costos también aumentaron, gracias al diseño más grande, el exterior de piedra caliza, el vestíbulo de mármol y las implacables demandas de la acústica.

Un hombre siguió presionando durante gran parte de ese largo período intermedio: Morton H. Meyerson. Lideró un esfuerzo de diez años para la Asociación Sinfónica de Dallas, en su mayoría sin convertirse en el protagonista del espectáculo. Luego, Ross Perot llamó desde Chicago y ofreció diez millones de dólares, pidiendo solo que la nueva sala llevara el nombre de Meyerson. En ese momento, era una donación excepcionalmente grande para una organización artística estadounidense. Así que sí, la cultura pública y la influencia privada se dieron la mano aquí muy firmemente.

Lo que usted ve desde la calle es el compromiso de Pei convertido en elegancia. Los fideicomisarios ya habían elegido una sala tipo "caja de zapatos" por dentro: básicamente una habitación rectangular sencilla, la forma que utilizan muchas grandes salas de conciertos porque el sonido se comporta maravillosamente en ella. Pei pensó que ese interior era conservador, así que lo envolvió en algo más libre: curvas, vidrio, metal y una sensación de movimiento. Si observa la imagen en su pantalla, puede ver cómo los balcones interiores mantienen esa forma sencilla y disciplinada incluso mientras el edificio exterior realiza un poco más de drama.

Desde aquí, el siguiente paseo lleva al Klyde Warren Park, donde la ciudad intenta un tipo diferente de declaración: no una obra maestra contenida por muros, sino un espacio público destinado a unir piezas separadas. Si desea entrar en otro momento, el centro generalmente está abierto de diez de la mañana a seis de la tarde de lunes a sábado, y cerrado los domingos.

El órgano de conciertos de la familia Lay dentro de la sala, un instrumento de 4,535 tubos agregado después de la inauguración y presentado en 1992.

Kelcy Warren donó diez millones de dólares, la mayor donación privada, y utilizó los derechos de nombre para su hijo de nueve años, Klyde. Eso provocó críticas. Se dice que Warren se sintió herido por la reacción, y hubo una pequeña cláusula extraña en la historia: supuestamente se requería que el joven Klyde ayudara a limpiar el parque una vez al mes. Filantropía de Dallas... pero con tareas domésticas.

Esa tensión importa aquí. Es un espacio público, sí, pero una fundación privada lo gestiona, lo programa y recauda el dinero para su mantenimiento y para aproximadamente mil trescientos eventos al año. Incluso su éxito generó recelo. Antes de la inauguración, la revista D Magazine argumentó que el parque no arreglaría Dallas mágicamente. Un punto justo. Ningún césped, por elegante que sea, puede curar todos los dolores de cabeza urbanos.

Aun así, el lugar tuvo un impacto fuerte. Más de cuarenta y cuatro mil personas aparecieron en los dos primeros días. Y el parque cambió las matemáticas a su alrededor: un análisis posterior descubrió que la ciudad añadió un cincuenta por ciento más de espacio de oficinas y el doble de viviendas multifamiliares en los seis años posteriores al parque que en los seis años anteriores. Así que sí, es un gesto cívico... y sí, también es combustible para el desarrollo. Ambas cosas pueden ser ciertas, lo cual es irritantemente realista.

Si mira otra foto, puede ver cómo la plataforma convierte una zanja de transporte en un porche delantero para el centro de la ciudad.

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